누군가가 되는 것이 아니라 그대로의 자신을 즐길 때까지의 전환점
예술가들에게 작품을 만들어 내는 과정과 그때그때의 활동의 원천에는 반드시 어떤 전환점이 존재한다. 'CA4LA MUSIC CONNECTION'은 아티스트 여러분께 자신의 활동의 터닝 포인트가 된 것을 취재하는 연재 기획.
제9회째에 등장하시는 아티스트는 녹황색 사회 여러분. 아이치현 출신으로 고등학교 동창과 소꿉친구에 의해 2012년에 결성된 '료쿠샤카'. 이듬해에 개최된 10대 한정 록 페스티벌 '섬광 라이어트'에서 준 그랑프리를 획득한 것을 계기로 활동을 본격화시켜 2020년에 발표한 앨범 'SINGALONG'에 수록되어 있는 ‘Mela!’ 는 닛폰테레비 '스키리' 내에서 방송된 '댄스ONE프로젝트'의 과제곡이 된 적도 있어 스트리밍 재생수 1억회 돌파의 대표곡이 되었습니다. "점차 성장하는 활동으로도 보이지만 ‘섬광 라이엇’ 이후는 정체기도 겪었고 보컬인 나가야 하루코씨는 "나한테는 전하고 싶은 게 없다" 라고 고민하던 시기도 있었다고 합니다. 하지만 그런 시기를 넘어 최신작 『Actor』에서는 "그걸로 됐어" “그대로 괜찮아” 라는 강한 메시지를 보내고 있습니다. 밴드의 지금까지의 행보와 CA4LA와 콜라보레이션한 버킷햇에 대해 멤버 4명에게 여쭤봤습니다.
Text by Atsutake Kaneko
Photo by Yuri Suzuki
Interview：緑黄色社会
’자신을 알아줬으면 좋겠다’ 라든가 ‘자신을 표현하고 싶다’ 라기보다는 ’모두 놀기 위한 도구를 만든다’ 같은 마음. 나는 그런 편이 적합한가 하고 (아나미)
우선은 각자 생각하는 메이저 데뷔 이전의 터닝포인트에 대해 여쭤보고 싶습니다.
아나미 싱고(이하, 아나미) 내 안의 의식이 크게 바뀐 것은 첫 앨범('녹황색 사회')에 들어 있는 '君が望む世界’를 만들었을 때였고, 내가 만드는 곡이 이 밴드에 맞는구나 생각하는 계기가 되었습니다. 곡을 만들었을 때의 나를 분석해 보니 이 밴드에서 내 역할을 알게 된 것 같고, 거기서부터 곡을 만드는 방법, 악기 연습 방법, 행동도 달라진 것 같습니다.
밴드에서의 자신의 역할을 어떻게 인식했을까요?
아나미 '나를 알아줬으면 좋겠다'거나 '나를 표현하고 싶다'기보다는 '다함께 놀기 위한 도구를 만든다' 같은 마음이랄까, 나는 그런 게 더 적합한가 해서요. 곡을 만든다고 하면 '나의 무언가를 전해줘야겠다'고 생각했는데, 좀 더 어깨에 힘을 빼고 내가 즐겁다고 생각하는 것을 하면 좋겠다'고 생각했기 때문에 나에게 있어서의 전환점이었습니다.
싱고 씨와 peppe 씨가 작곡한 ‘Mela!’는 ‘댄스 ONE 프로젝트’의 과제곡이 된 것으로, 그야말로 ‘다함께 놀기 위한 도구’가 되었죠.
아나미 그렇네요. 지금의 이야기는 틀림없이 ‘Mela!’ 에도 연관되어 있었다고 생각합니다.
나가야가 생각하는 터닝포인트는 어떤가요?
나가야 하루코(이하, 나가야) 첫 앨범에 들어가 있는 ‘またね’에서 활동이 바뀌기 시작한 인상이 있어요. 그 이전까지는 곡 만들기를 다 같이 하는 경우가 많았는데, 그 시기부터 각자 만들게 돼서 그때까지는 모두가 들을 수 있는, 세계관이 넓은 곡이 좋을까 생각했는데, ‘またね’는 저만 알 수 있는 오히려 세계관이 좁은 곡이었어요. 근데 결과적으로는 그 곡이 많은 사람들에게 전해지면서 '이런 곡도 괜찮구나'라는 생각이 들어서 거기서부터 더 나를 바라보고 곡을 쓰게 되었습니다.
막연하게 널리 알리려고 해도 좀처럼 닿지 않았지만, 자신을 파고듦으로써 듣는 사람과 연결될 수 있었다고 할까요.
나가야 저는 원래 '노래를 부르고 싶다'는 데서 시작해서 '뭔가를 전하고 싶다'는 목적으로 음악 활동을 시작한 게 아니라서 곡을 만들 때 굉장히 곤란하더라고요. '내가 뭘 부르고 싶지?' 같은… 그래서 일부러 이해하기 어려운 표현을 하거나 약간 도망치는 그런 부분도 있었는데 나다움 같은 걸 솔직하게 써야 마음을 사로잡을 수 있을 것 같아서요. 그런 곡이 쓰기 쉽다고 할까, 무리하지 않고, '너답네' 라고 말해주는 경우도 늘고, 그 무렵부터 곡 만들기에 있어서의 정체성 같은 것이 확립되어 간 것이 아닐까 생각합니다.
섬광 라이엇 2013에서 한번에 모든 걸 쏟아부어버려서 거기서부터 정체기에 접어들었어요. (코바야시)
잇세이 씨에게 있어서의 터닝포인트는 어떤가요?
코바야시 잇세이(이하, 코바야시) 고등학교 3학년 때 나온 섬광 라이엇 2013이 첫 번째 터닝포인트였던 것 같아요. 만 개가 넘는 팀 응모 중에서 준그랑프리를 획득하여 지금 환경에서 음악을 하는 계기가 되었기 때문에 상당히 큰 전환점이었습니다. 다만 거기서부터 정체기에 돌입해 버렸습니다. 왜냐하면 섬광 라이엇 2013으로 목적을 달성해 버린 거죠. 원래 저희 고등학교 2살 위의 선배님이 섬광 라이엇 2011에 나와서 그걸 보고 저희도 섬광 라이엇에 나가는 게 목표가 돼서 거기서 준그랑프리를 딸 수 있었기 때문에 한번 모든 걸 쏟아부어버려서 거기서부터 뭘 해야 할지 모르겠던 거예요.
그래서 정체기가 찾아왔다고 합니다. 하지만 그야말로 싱고 씨나 나가야 씨가 이야기해 준 것과 같은 각각의 터닝 포인트를 거쳐 다시 밴드가 부활해 간 것이군요. 그럼 peppe씨가 생각하는 터닝포인트는 어떠신가요?
peppe 개인적인 터닝 포인트 이야기가 되어버립니다만, 역시 인생에서 예상 밖의 일이 일어났을 때가 터닝 포인트가 된다고 생각합니다. 그래서 일단 첫 번째가 멤버들을 만나고 밴드에 초대받은 게 무엇보다 터닝포인트였다는 거죠. 원래 피아노는 쳤는데 밴드에 대해서는 전혀 몰랐기 때문에 정말 0에서 1이 되는 순간이었어요. 또 하나가 제가 곡을 만들게 된 거예요. 저는 곡을 만들 줄 몰랐고 곡을 들려주고 싶은 욕구도 없었어요. 하지만 곡을 쓰게 되는 타이밍이 있어서, 거기서부터 계속 만들고, ‘Mela!’로 이어져서… 그건 전혀 생각지도 못했던 일이었습니다.
우선은 이 4명이 의식을 공유하지 않으면 다른 사람에게도 전달되지 않겠죠. (peppe)
이미 곡명이 나와 있듯이 ‘mela!’는 틀림없이 로쿠샤카에게 있어서의 터닝 포인트 중 하나였다고 생각합니다만, 그 배경에는 ‘자신들이 만들고 싶은 것을 만든다’는 전제 위에서, ‘더 많은 사람에게 전달하기’ 위한 시행착오가 있었던 것이 아닐까 생각합니다. 그런 점에서 밴드의 의식 변화에 대해 알려주세요. 아나미 어떤 곡을 만들고 싶은가가 아니라 나를 한 명의 청취자로 생각하고 어떨 때 어떤 곡을 듣고 싶은가 하는 생각으로 바뀌었습니다. 사람·장소·시간을 생각하며 곡을 만듭니다. 메이저 데뷔 정도부터 더 그런 의식이 생긴 것 같아요. 패션으로 기분이 바뀌듯이 듣는 음악으로도 기분이 바뀌잖아요? 그런 부분을 지탱해 줄 수 있는 존재가 됐으면 좋겠어요. 나가야 메이저 데뷔를 하기 전쯤부터 뺄셈을 하게 되더라고요. 그때까지는 자기들이 하고 싶은 걸 한 곡에 다 담아놔서 들을 걸 잘 모르겠더라고요. 거기서부터 더 청취자를 생각해서 주제를 확실히 해서 제대로 들을 곳을 만들도록 했어요. 그렇게 곡의 주제를 알기 쉬워지면서 네 사람의 공통 인식도 갖기 쉬워진 거죠. 그때까지는 한 곡 안에 몇 개의 주제가 있어서 곡을 만든 사람은 알겠지만, 멤버들끼리도 공유하지 못하고, 파악하는 방법이 다르기 때문에 넣는 문구나 음색에도 차이가 있었어요. 하지만 주제를 알기 쉬워져서, '이 곡은 어떤 곡이야?' 라고 물었을 때, 모두가 같은 말이 나오게 되었습니다. 그래서 뺄셈도 쉬워졌나 봐요.
peppe 우선 이 네 명이 의식을 공유하지 않으면 다른 사람에게도 전달되지 않겠네, 하고요.
코바야시 처음에는 음악적 소양 없이 '남들과 다른 걸 하고 싶다'는 마음만 있어서 상궤를 벗어난 짓을 해서 '새로운 걸 만들고 있다'고 착각했다고 할까요. 뭐, 그건 그거대로 훌륭한 일이라고 생각하지만 결국 음악적 소양이 원래 없는 인간이 심플하게 곡을 만들면 그건 마음대로 이상한 걸 할 수 있는 거지 굳이 이상한 걸 만들려고 하지 않아도 됐구나, 그렇게 내려다 볼 수 있게 된 게 컸다고 생각합니다.
아나미 고집을 버리게 된 것도 큽니다. 그게 제일 많이 바뀐 것일 수도 있겠네요.
원래 4명이서 곡을 만들었는데 그 다음에 한 번씩 다들 여행을 떠나더라고요. 각자 곡을 만들고, 그 경험을 거쳐, "Mela!"가 생겼어요. (나가야)
"Mela!"는 작사가 나가야 씨와 코바야시 씨, 작곡이 싱고 씨와 peppe씨로, 4명이서 만든 악곡이었습니다. 그 일은 밴드에게 어떤 의미가 있었다고 생각하나요?
아나미 원형 그래프가 교차하는 부분은 색이 진하지 않나요? 그런 거예요 (웃음).
나가야 원래 밴드 시작할 때는 스튜디오에서 시작해서 4명이서 곡을 만들었는데, 그 다음에 한 번 다 여행을 떠난 거죠. 각자 곡을 만들고 그 경험을 거쳐 '멜라!'가 생겼다고나 할까요? 그렇기 때문에 지금 싱고가 말했듯이 겹치는 부분이 굉장히 색이 짙어졌나. 그래서 앞으로도 또 여행을 떠나 다시 붙는 걸 반복해 나가는 밴드인 것 같아요.
4명이서 곡을 만들었던 것은 개개인의 장점을 재확인하는 시간도 되었다고 생각하는군요. 가사로 말하면, 잇세이 씨가 플롯을 만들고, 나가야 씨가 실제 가사로 만들어 갔다고 하는데, 그것도 각각의 장점을 재확인하는 작업이 된 건가 싶어요.
코바야시 자기 혼자 가사를 쓸 때는 플롯을 쓰지 않거든요. 둘이 가사를 쓰는데 분업을 한다고 했을 때 그럴 수 밖에 없었을 뿐이지 제가 플롯을 쓰는 데 적합한 게 아니라, 단순히 역할 분담을 했다는 느낌이기는 하고요.
나가야 그런데 잇세이는 머릿속에서 이야기를 너무 잘 만드니까 잇세이만으로 쓰는 가사도 굉장히 이야기성이 있고 세계관이 넓어요. 저는 반대로 '1'을 탐구해 나가는 타입이기 때문에, 잘하는 부분이 정반대이고, 제가 보기에는 잇세이는 플롯 만들기에 굉장히 적합하다고 생각합니다.
스스로 자신에 대해서는 좀처럼 알지 못하기도 하기 때문에, 함께 만듦으로써 다른 사람을 통해서 자신을 재발견하게 되었겠지요. 작곡팀 두 분은 어떠셨나요?
peppe 가사는 같은 장소에서 만들지 않는 것 같은데 작곡은 같은 시간에 같은 장소에서 만들어요.
아나미 혼자 만들면 작업물을 데이터로 보내고 그 반응이 돌아올 때까지 시간이 있는데 둘이 만들면 그 반응이 금방 오고 게다가 그걸 자꾸 주고받으니까 빠르고 즐겁고 너무 좋은 거죠.
peppe 가진 건 제각각이어서 정말 서로 보충하면서 하고 있어요.
아나미 peppe는 필링 위주인데 되게 예리한 감성을 가지고 있어서 'peppe가 하고 싶은 걸 내가 펼친다' 이런 게 제일 쉽고요. peppe가 얼굴을 만들고 제가 몸 전체를 만드는 느낌이거든요.
peppe씨가 감각파라면 싱고 씨는 이론파라 생각하고 구축하는 타입입니까?
아나미 그렇죠. 처음 한 조각만 있으면 퍼즐을 조립할 수는 있을 거예요. 근데 그 한 조각을 만들어내는 감성은 peppe가 더 갖고 있구나라는 생각이 들더라고요.
그것도 공동작업을 함으로써 깨달은 장점일 수도 있겠네요.
peppe 네, 이제야 깨달았어요(웃음).
각자 국민적 존재가 되고 싶다는 마인드를 왠지 갖고 있었고 Mela!로 인해 국민적이라는 곳으로 가는 표를 구할 수 있었습니다.(peppe)
‘Mela!’는 발매 후에 ‘댄스 ONE 프로젝트’의 과제곡으로 선정되어 로쿠샤카에게 지금까지 가장 큰 히트곡이 되었습니다. 그 성공 체험은 현재 밴드에게 어떤 의미를 가지고 있다고 말할 수 있을까요?
나가야 '멜라!'를 만들기 시작했을 때는 왠지 모르게 다 같이 만들기 시작해서 물론 좋은 곡으로 만들고 싶다는 생각은 했지만 노리고 한 게 아니라 '오랜만에 넷이서 만들어볼래?' 정도의 느낌이었어요. 근데 그렇게 할 수 있었던 곡들이 자신들의 상상 이상으로 퍼져나가고, 4명이기 때문에 할 수 있다는 걸 재확인할 수 있었고, 초심으로 돌아갈 수 있었고, 각자의 자신감으로도 이어진 것 같아요.
잇세이 씨는 어렸을 때 춤을 췄다고 하니, '댄스 ONE 프로젝트'와 관련된 의미가 더 클 것 같네요.
코바야시 굉장한 만남이라고 마음대로 생각하고 있습니다만, 청춘에게 다가간다고 할까, 저희는 항상 그런 밴드가 되고 싶었는데 댄스 ONE 프로젝트에는 모교도 참여해줘서 너무 기뻤어요. 싱고 씨에게는 '놀이 도구가 되었으면 좋겠다'는 생각이 현실이 된 곡이라고도 할 수 있겠네요. 아나미 댄스 ONE 프로젝트'에서 기뻤던 것은 10대 아이가 들을 수 있다는 거였어요. 제가 가장 음악에 구원을 받았다고 할까, 음악으로부터 혜택을 받은 시기는 10대였기 때문에 그 세대가 들어줬으면 좋겠다고 생각해서 만드는 부분은 꽤 있어서 너무 기쁘고요. 10대 때 들었던 곡이 그 사람한테 평생 소중한 게 될 거예요.
‘멜라!’에서 춤춘 아이들에게는 정말 평생의 것이겠지요. peppe씨는 어떠세요?
peppe 밴드에서 회의를 한 것도 아닌데 각자가 '국민적인 존재가 되고 싶다'는 마인드를 왠지 가지고 있었고, '멜라!'로 인해 '국민적'이라는 곳으로 표를 구할 수 있었다고 할까요. 여기서부터 어떻게 될지는 저희에게 달려있지만 그게 있는 것과 없는 것은 큰 차이이고, '국민적'이 조금 보인 것은 기뻤습니다.
얘기한 건 아니지만 멤버 각자가 '국민적 존재'라는 걸 목표로 하고 있었군요.
코바야시 반대로 말하면 밴드로서의 명확한 목표는 없었거든요.
아나미 명확한 목표가 있으면, 그것을 달성했을 때 끝나 버려요. 그걸 섬광 라이엇 2013 때 느꼈기 때문인 것 같아요.
나가야 확실히, '무도관에 서다' 같은 것도 달성하면 끝나 버리지만, '국민적'으로는 끝이 있는 것이 아니라, 계속 이어지는 법이니까. 그렇군요, 이제 알았네요.
‘멜라!’는 감각파 4명이고 ‘캐릭터’는 계획파 4명입니다. 이제 둘 다 할 수 있고 짧은 시간에 이 둘을 경험할 수 있었던 것은 앞으로 이어질 것 같아요. (나가야)
‘국민적'으로 가는 표를 얻고, 거기서부터의 첫걸음이 신작 'Actor'라고 말해도 될까 생각합니다. 이 중에서는 ‘캐릭터’가 ‘멜라!’와 마찬가지로 4명이서 공동으로 제작되었는데, 이번이 더 원활했는지, 아니면 고생했는지 그 부분은 어떠셨나요?
나가야 작사는 많이 힘들었어요. 일단 '멜라!'의 부담감이 있어서 더 좋게 만들고 싶고 ‘'멜라!'의 사람’이 되고 싶지도 않았고요. 그리고 ‘Mela!’는 주제가 명확하고, ‘히어로’라는 알기 쉬운 단어가 있었는데, 그럼 이번 주제는 어떻게 할 것인가 하는 거기서부터 막혀서요. 그래서 이번에 ‘Actor’라는 제목이 먼저 정해져서 거기서부터 주제를 넓히고, 나아가기 시작했는데, 잇세이가 플롯을 쓰고, 제가 작사를 하고, 다시 잇세이가 작사를 하고 있기 때문에 단계가 전보다 많아졌어요.
‘Actor'라는 제목은 이번에 타이업 곡이 많아서 여러 유형의 곡이 들어간 앨범이 된 것을 '배우'에 비유하는 거죠. 그리고 '캐릭터'는 그 주제성을 좀 더 명확히 하기 위한 곡이라고요.
나가야 '여러 캐릭터가 있어도 돼'라는 주제가 보여서 조금씩 움직이기는 했지만 이 주제로 무책임한 말은 할 수 없을 것 같았어요. 그리고 리듬이 뚜렷했기 때문에 전하고 싶은 메시지와 사용할 수 있는 단어가 매치되지 않아 거기가 어려웠습니다. 뭐 너무 많이 생각하는 부분도 있었을 수도 있겠네요. 예전에는 '그냥 해보자' 이런 데서 시작했으니까 그 부분은 많이 다르더라고요.
작곡팀은 어땠나요?
peppe 역시 부담스러웠지만 '일단은 우리가 즐겨 만들어야겠다'고 말했고 작곡 과정 자체는 '멜라!' 때와 똑같았어요.
아나미 '멜라!'는 '발매해야 하니까 이런 곡을 만들자' 했던 게 아니라 만들어진 곡이었거든요. '시간이 비었으니 스튜디오 들어가서 뭐 좀 할래?' 정도의 흥이었으니까 그 정도 느낌이 낫겠죠.
‘멜라!’는 순발력의 힘이 있었고, ‘캐릭터’는 머리를 쥐어짜냈기 때문에 완성도가 있었습니다. 특히 가사에 있어서는 그럴 수도 있겠네요.
나가야 둘 다 할 수 있어서 다행이네요. ‘멜라!’는 감각파 4명이고 ‘캐릭터’는 계획파 4명입니다. 앞으로는 둘 다 할 수 있고 짧은 기간에 이 둘을 경험할 수 있었던 것은 앞으로 이어질 것 같아요.
분명 똑같이 고민하는 사람이 전 세계에 많이 있고, 거기에 공감해 줄 것이기 때문에, 우리도 음악을 계속해도 좋다는, 그런 마인드가 되었습니다. (코바야시)
이야기를 듣다 보면 이름은 형태를 나타내지 않지만 역시 밴드인 동시에 '사회'구나 하는 인상을 받습니다. 일단 개인이 있고 각자 영향을 주면서 모였을 때는 강한 힘을 발휘하고, 그래도 또 혼자가 되거나 조금씩 관계성을 바꾸면서 나아갑니다. 그게 바로 '사회'네요.
나가야 요즘 점점 사회화되고 있죠.
peppe 그런 말을 듣는 경우가 많아져서... 별로 자각은 하고 있지 않습니다만 (웃음).
‘Actor'나 '캐릭터'의 '각각이면 돼'라는 메시지도 밴드 자체에 구현돼 있다고 할까요. 나가야 씨는 원래 '뭔가를 전하고 싶다'는 목적으로 음악을 시작한 것이 아니라는 이야기가 있었지만, 지금은 이 4명이 있는 것 자체가 메시지를 보내고 있는 것 같습니다.
나가야 밴드를 시작했을 때는 제게 전하고 싶은 말이 없어서 '이걸로 음악해도 되나?' 이런 생각을 되게 많이 했거든요. 주변 뮤지션들은 신념 같은 걸 가지고 하는데 우리의 신념은 '즐겁다' 밖에 없어서 그걸 얄팍하게 생각했어요. 근데 지금 생각하면 오히려 '그거잖아!' 라는 생각이 들어요. 그렇게 마인드가 바뀌었기 때문에 네 사람이 기지개를 켜고 활동할 수 있게 되었다고 생각하고, 이상하게 '자신들다움' 을 만들어내려 하지 않는 장점이 있습니다. 자유분방한 게 더 개개인을 강하게 만들고 그게 너무 좋다고요.
다른 아티스트에게는 그 아티스트 나름의 캐릭터가 있고, 로쿠샤카에겐 로쿠샤카라는 캐릭터가 있습니다. 그 로쿠샤카라는 캐릭터에 관해서는 어떤 밴드에도 지지 않았다는 거죠. 그렇게 생각하는 게 결코 쉬운 일은 아니지만, 역시 굉장히 중요한 일이니까요.
나가야 그렇죠. 그래서 비교를 해버렸던 것 같아요. 자기가 되려고 그러는 게 아니라, 누군가가 되려고 했던 것 같아요.
코바야시 얄팍한 고민일 수도 있는데 그래도 분명 똑같이 고민하는 사람들이 온 세상에 많이 있고 거기에 공감해 줄 것 같으니까 우리도 음악을 계속해도 되겠다 이런 마인드가 생겼어요.
듣는 사람에게 '나라서 좋다'는 메시지를 전하는 작품을 싣고 3월 20일부터 전국 투어를 시작합니다. 투어를 향한 각오를 들려주세요.
나가야 각자 전혀 다른 캐릭터의 곡들을 연기함으로써 'Actor'가 가지고 있는 '각각이면 돼', '그대로 있어도 돼' 라는 메시지를 즐기면서 전해졌으면 좋겠어요. 어렵지만 머리를 비우고 라이브를 할 수 있었으면 좋겠습니다.
라이브에 입고 가는 옷도 기분이 바뀌고, 친구라든가, 좋아하는 사람이라든가, 가족이라든가, 만나는 사람에 따라서도 옷이 달라지기 때문에 음악도 그때의 기분에 맞게 들어줬으면 좋겠어요. (아나미)
그럼 마지막으로 모자에 대한 이야기를 들려주세요.
나가야 저는 굉장히 모자를 좋아하고 얼굴이 굉장히 심플하기 때문에 모자를 쓰면 볼륨이 생기거든요. 그리고 얼굴이 심플하기 때문에 비교적 어떤 모자라도 쓸 수 있다는 것을 깨닫고, 쓰면 옷의 텐션감도 바꿀 수 있고, 같은 옷이라도 다르게 보이거나 부담없이 자신을 바꿀 수 있는 아이템이라고 생각합니다. 그리고 안심이 되는 거죠. 머리에 물건이 있으면 너무 안심하고 모자 없이 밖에 나가기 민망할 때도 있고요.
아나미 나가야는 모자도 마스크도 한참 전부터 하고 있잖아.
나가야 제가 코로나 전부터 계속 마스크를 쓰고 다녔어서 모자는 세련되면서도 저를 안심시켜 줘요. peppe 저의 첫 CA4LA는 나가야의 선물이었어요. 그래서 모자가 좋을 것 같아서 교토 갔을 때 갑자기 모자가 쓰고 싶어져서 CA4LA를 찾아서 산 추억이 있습니다.
코바야시 갑자기 쓰고 싶을 때 있죠. 저는 도쿄에 와서 처음으로 팬분들에게 말을 걸었던 것이 CA4LA로, 굉장히 기뻤습니다(웃음). 나가야는 얼굴이 심플하다고 했지만, 저는 데코가 조이풀해서, 쓰지 않으면 허전한 느낌이 들어서요. 데코가 조이풀(웃음). 아나미 저도 러프할 때는 기본을 써요. 버킷햇이라든가 헌팅캡이라든가요. 세트를 안 해도 되고 굉장히 편리하죠.
이번 콜라보레이션에서는 두 가지 버킷햇을 만들었습니다.
나가야 버킷햇은 지금 유행이기도 하고, 누구나 쓰기 쉽다고 할까, 사람을 가리지 않는 것이 아닐까. 그래서 이왕이면 모양을 바꾸자는 것으로, 챙이 넓은 것과 깊은 것과 심플한 것과 장난기가 있는 것을 만들어서 골라달라고 했습니다. peppe 말씀을 받았을 때부터 전체적인 무늬는 꼭 만들고 싶다고 해서요.
코바야시 CA4LA 씨의 기존 제품을 보고 '이거랑 이거랑 이렇게 하자' 이런 좋은 점들을 모아간 느낌이네요.
전체 무늬는 악기와 멤버들이 좋아하는 게 프린트가 되어 있는 거죠.
나가야 싱고는 켄다마, 게임, 베이스, 저는 마이크, 딸기, 보더콜리, 아나미는 뱀, 거북이, 기타, peppe가 몬스테라, 책, 키보드입니다. 전혀 통일감은 없지만(웃음), 오리지널리티가 있어서 팬분들이 좋아할 아이템으로 만들고 싶었어요. 그리고 로쿠샤카를 모르는 사람이 보면 '왜 켄다마?' 이런 식으로 파고드는 부분이 있는 것도 좋을 것 같아요.
아나미 페스티벌 같은 데도 너무 좋죠.
나가야 검은 버킷햇은 알기 쉽게 로고를 넣는 것이 아닌 형태로 '~다움'을 넣고 싶었기 때문에 녹황색 비타민 컬러를 사용하여 누구나 쉽게 알 수 있게 된 것이 아닐까 생각합니다. 태그는 CA4LA님 제품을 보여주셨을 때 '이거 하고 싶어요'라고 부탁드렸어요. 탈부착도 돼서 좋겠다고 하셨어요.
코바야시 이름과 담당 악기의 앞글자를 따고, 한 사람씩 'U=당신'을 곱해서 녹황색사회입니다. 그리고 결성일도 적혀 있어요. 이쪽도 너무 좋아요. 머리가 작아 보여서 고마워요.
중간에 '음악도 패션도 기분을 바꿔주는 것'이라는 이야기가 있었듯이 역시 패션의 요소도 로쿠샤카에게는 빼놓을 수 없는 것일까요?
아나미 그렇죠. 라이브에 입고 가는 옷도 기분이 달라질 것 같고 친구라든가 좋아하는 사람이라든가 가족이라든가 만나는 사람에 따라서도 옷이 달라지기 때문에 음악도 그때의 기분에 맞게 들어줬으면 좋겠어요. 그래서 둘 다 굉장히 중요한 거죠.
